小贴士

视频中有很多著名的古典吉他演奏家的示范，他们年轻时代就已经技艺超凡。甚至包括剧务名单里，都有我们大家熟悉的前辈，你能通过视频辨认出他们来吗？

《古典吉他技巧与表现》视频（上）

第一讲 吉他的种类、流派和吉他的发展史

吉他是世界上最受人们欢迎的乐器之一，在我国也受到很多年轻人的喜爱。吉他的种类和流派是很多的，其中有：风格典雅的古典吉他，（大家现在看到的是安格利亚·塞戈维亚大师，在著名的阿尔汉布拉宫里演奏《幻想曲》）有热情奔放的弗拉门哥吉他（它的风格是与古典吉他不付的），有轻松潇洒的民谣伴唱吉他，有现代气息的电吉他，有热带风情的夏威夷吉他……这些种类里，艺术性最高的是古典吉他。古典吉他的历史可以说比小提琴、钢琴还要悠久。下面请大家看古典吉他发展历史的图表，（图片）这就是古典吉他发展史的图表。

这是古代波斯王朝，两种弹拨乐器。距离现在约是3500年左右。这是在埃及发现的，公元前1400年左右的一个古壁画。在这个壁画上，左边演奏的是古竖琴，右边这个人演奏的弹拨乐器，就是吉他的前身。

这也是公元前1500年前，另外一系的弹拨乐器，叫做乌德琴。这是公元前初期，希腊的一种弹拨乐器。这是在希腊发现的公元前400多年，浮雕上的弹拨乐器。这是公元400年罗马的一种弹拨乐器，这是同时期的又一代乌德琴。这是公元初期，罗马古画上的乌德琴。

乌德琴

这是公园1200年左右的吉他拉，左边的是摩尔风格的吉他拉，右边是拉丁风格的吉他拉。这是公元13世纪，古画上的人在演奏拉丁吉他拉。这也是一幅13世纪的古画，左边的人演奏的是拉丁风格的吉他拉，右边的人演奏的摩尔风格的吉他拉。这是公元1500年间，两种弹拨乐器。左边的是维卫拉琴，右边的是四组复弦吉他。这是同时期的鲁特琴。

鲁特琴

这是16世纪的一幅古画，演奏鲁特琴的人。这是公元1600年间的五组复弦吉他，这是公元1700年间的六组复弦吉他。这是公元1750年间出现的六弦单弦吉他。在这以前，出现的都是复弦吉他，复弦吉他就是两根弦一组，这两根弦有时候定成同样的音高，有时候定成相差八度的音高。在出现六弦单弦吉他以后，音乐的声音就更加清晰了，使得表现音乐的层次效果更好。这是一次飞跃。这就是当年的一种六弦单弦吉他，这是另外一种六弦单弦吉他，这又是一种六弦单弦吉他，从它背板和侧板的雕花图案上，充分体现了古色古香的风格。

这是公元1880年到1900年间，出现的多列是（托雷斯）吉他。多列式是一个非常有名的吉他制作家，他制作的吉他被命名为多列是吉他，现代古典吉他基本上都是以多列是吉他为原型来制作的。这就是现代使用的古典吉他。

第二讲 古典吉他的特点

古典吉他是一种弹拨乐器，但绝不是一般的弹拨乐器。它的祖先，如吉他拉、维卫拉琴、鲁特琴等都已经退出了历史舞台或已接近销声匿迹。古典吉他的近亲弗拉门哥吉他虽然拥有像帕高·路西亚这样超级天才的大师，但是弗拉门哥吉他并没有达到国际性范围的普及和影响。古典吉他的衍生旁支如拉丁美洲的勒金多吉他、美国的韦斯坦吉他和乡村民谣吉他，始终没有摆脱作为伴奏者的从属地位。又如技术高超的爵士匹克吉他、美国式指弹吉他也仅仅能做到在世界某些地区内流行。在格滚乐中必不可少的电吉他，近年来也有逐渐被电脑音源合成器取代的危险。

古典吉他经久不衰的秘密究竟在哪里?

我认为古典吉他坚韧的生命力在于：这么一件轻便的乐器，一手在握，能够发出各种不同的音色、丰富的和弦、复杂的声部以及跨世纪、跨民族的表现能力，特别是从音乐表现能力来说，无论是文艺复兴时期、巴罗克时期，古典时期还是浪漫派、近代派、现代派的音乐、古典吉他都能够达释自如。无论是日本的古筝，还是中国的琵琶，古典吉他也可以模仿得维妙维肖。每一个学习古典吉他的人都应当认识到古典吉他独特的、变化无穷的音色。学习古典吉他的关键就是去掌握发出这些音色方法和学会控制这些音色。用这些多变的声音来表达自己心中多层次的音乐语言。

许多吉他手误认为只要弹奏的曲目是古典吉他曲就算是在演奏古典吉他了。举一个简单的例子，能唱唱《我的太阳》并不等于他学会了意大利美声唱法。如果一个人不去认真学习美声学派的基本发声方法，而只是到处找意大利歌曲来唱，那么他永远是美声唱法的门外汉。

所以，我希望每一个学习古典吉他的人，在学习古典吉他前，一定要对古典吉他有充分的认识和了解。

古典吉他可以独奏、重奏、合奏，以及和乐队来协奏。

下面请欣赏古典吉他独奏与重奏：

《阿拉伯风格绮想曲》（白璞）

《巴拉圭舞曲1号》（杨雪菲、白璞）

古典吉他合奏时，要使用各种声部的吉他，最少应当具备四种：

(1)高音吉他

(2)中音吉他（标准吉他）

(3)低音吉他

(4)倍低音吉他（又称吉他隆 GUITARRON）

下面请欣赏古典吉他合奏：

《巴赫 赋格》（中国广播吉他乐团）

第三讲 学习古典吉他的准备和基本演奏姿势

首先要有一把合格的古典吉他。

学习古典吉他必须使用古典吉他而不能用民谣吉他、匹克吉他来代替。反过来弹民谣伴唱必须用专用的民谣言他，用拨片弹的必须是f孔的匹克吉他(图②)，这是一个基本常识问题。比如：演奏二胡曲《二泉映月》，一定要用二胡，不能用京胡。唱京剧一定要用京胡伴奏，而不能随便用板胡。拉梆子就要用板胡，不能用广东音乐里的高胡，不要以为是胡琴家族就能随便通用。吉他家族中也应当是这样的。

那么具备什么条件的古典吉他才算是合格的呢?

第一，音要准。吉他是乐器，不是家具，家具只要好看，结实就行。一件乐器音要是不准，就是废品，严格讲给孩子当玩具都不行，音不准的乐器会破坏孩子的听力。童年的印象，无论正确的还是错误的，都将影响终身。检查一把吉他音准的办法是先看一看第十二把位的实音和第十二把位的泛音音高是否一致，如音高相去甚远，说明这把琴的音准问题很大，无法使用，就不必再往下挑选了。下一步再看一看第七把、第五把、第十九把和第十七把位的泛音如果都是在这些品格的正上方，那么这把吉他的音准就基本可以了。

第二，检查完音准之后，要看一看弦钮是不是拧不动或者跑弦，定好弦弹一会儿就跑弦的吉他是不能用的。

第三，要试一下手感怎样?指板直不直?弦离指板太远，左手按起弦来很费力气，容易紧张，影响左手技巧的发挥；弦离指板太近，弦振动起来容易碰品，发出杂音。除了弦离指板的远近要适中，音品的高低也很重要。音品太高，影响音准和滑音；音品太低弹起琴来会有杂音。此外颈桥、琴码不合乎规格也会出现杂音。至于古典吉他的用料、音色、音量、音的敏感度、远达性、工艺、外观等等方面，不同档次的吉他差别是很大的。但一般品质的差别不影响学习者练习使用。

我们要强调一遍，一把合格的吉他最低的三个条件是：音要准，弦钮要好使，手感要舒适。

一把古典吉他能不能发出优美的音色取决于三个方面：

(1)优良的吉他

(2)优良的尼龙琴弦

(3)优良的技术

许多吉他手对琴弦的作用认识不足，常常是弦用断了才换。应该是两、三个月左右全部更新一次，4、5、6三根缠弦更换的周期常常更短一些。琴体是共鸣箱，好比是歌唱者的胸腔。琴弦是发声体，是声源，好比是人的声带。没有好的声带是唱不好歌的。介绍几个延长琴弦寿命的办法：每次弹琴前都要用肥皂洗手，以减少汗渍、油腻沾污琴弦；定弦时少来回拧弦，尽量只是单方向由低往高定；弹完琴以后不必松弦；每隔一个月将弦全部卸下用洗洁净仔细洗净再用软布擦干净，可以再继续使用。

弹古典吉他要准备一个专用的脚凳(脚架)，脚凳要结实不晃动，最好可以调节高度和斜度。

每次练琴都必须定成标准音高以后再弹，这样可以培养出正确的音高概念，也可以使左手习惯于按张力固定的琴弦。

定音可用音叉、调音器、定音器；用钢琴、口琴、手风琴等乐器来帮助校音也可以，前提是这些乐器的音也要准。古典吉他的六根弦由细到粗的顺序是①②③④⑤⑥，它们的音名分别是：e2、b1、g1、d1、a、e。

要准备(至少)三种粗细型号的砂纸来修磨右手指甲：要准备指甲锉和不同型号的砂纸，来修磨指甲。指甲锉是粗磨，500号左右的砂纸是细磨（但现在500号砂纸已经视为粗磨）。600号--1000号是更细的细磨。1000号以上的砂纸用来抛光。职业演奏家还要使用2000号左右的砂纸。

有人习惯将乐谱平放在桌上看着弹，这样很不好。因为除了破坏正确的演奏姿势和影响美观外，久而久之，还可能导致颈椎慢性病。要养成用谱架的习惯，落地的和桌用的谱架都可以。

还有一件重要的辅助工具就是节拍器，节拍器有机械的和电子的。它可以帮助学习者节奏感的稳定，又可以用来确定指法练习和练习曲所需要的不同的练习速度。

有的人右手指甲又薄又脆，最好准备一瓶无色的指甲油经常抹一点，以防指甲进裂。此外还有一些古典吉他专门的用品，如：挫指甲的小挫刀、挫垫，磨指甲用的磨指器，换琴弦用的换弦器，擦琴布、擦琴身的油，擦指板的油，防备指甲断裂后临时使用的备用假指甲，粘假指甲的胶水等等。

正确的持琴姿势是左右手技巧可以充分发挥的保证，先谈一下坐的姿势：在身体各部分肌肉放松的情况之下，能维持平衡的姿势，叫做稳定平衡。如：双腿微微分开的稍息站立姿势，就是稳定平衡。如果需要某部分肌肉用力之后才能保持的平衡叫做不稳定平衡。如单腿站立的平衡姿势，就是不稳定平衡。

正确坐姿的原则：

一、在保持稳定平衡的前提下坐好。所以不要坐在椅子的中央部位，而要坐在椅子的右前角。左脚放在脚架上，右脚不要和左脚平行，而要稍往后放一些。

二、不要用身体去迁就吉他，而要吉他服从身体稳定平衡的需要以及保证左右手自由演奏的方便。

在左右手手指没有接触琴弦之前，琴身和人的身体就应有四个基本接触点，以保持琴身的最大稳定。这四个点是：

(1)左大胆上部和琴身下侧凹部。

(2)右大腿内侧和琴身底部。

(3)琴身稍倒向人体后，上半部贴触前胸的中右侧。

(4)右前臂中部轻放在琴身的上侧板上。

下面请欣赏《爱的罗曼斯》（李洁）

除这四个固定的接触点外，还有三个活动的接触点：

(1)左手拇指接触指板背面。

(2)左手手指的按弦点。

(3)右手手指的拨弦点。

只有保持前四个接触点相对稳定，才能使左、右手解脱负担而活动自如。

第四讲 右手的基本技巧

古典吉他曲谱上用符号p来代表右手拇指，i代表右手的食指，m代表中指，a代表无名指，ch代表小指。通常情况下小指是不用的(图⑦)。在右手拨弦之前，先讲留指甲弹琴的问题。

从来没有弹过琴的初学者可暂时不用留指甲，先用手指的指端部位弹琴，等有了一些基础之后，再留指甲来弹。指甲的修整、保养是一项专门的学问，这里只能略微提一下。

每个人要根据自己手指的条件、拨弦的方式、对音色的追求等，来选择所留指甲的形状和长短。i、m、a指的指甲通常是留0.5-3毫米之间的长度，所留指甲的形状，每个人也不同，有的人拇指的指甲留得会稍长一些。一般地说指甲短一些弹起琴来音量大、音色厚，但弹快速乐句时颗粒性差。指甲长一些清晰度可能好些，音色较亮，但容易偏薄。这些都不是绝对的。

总之要靠自己长期摸索，在实践中积累经验，指甲的长度和形状才能基本定型。

在卡尔卡西的年代，他并不了解指甲弹琴的优点，所以他的教本里，没有专门用指甲拨弦的各种练习。索尔是用指头弹琴，他的好友阿瓜多是用指甲弹琴。这说明那个时候，指头派和指甲派是同时并存的。从泰雷加追求音色的变化开始，经过包括塞戈维亚在内的几代杰出演奏家悉心研究和探讨的结论是：最科学的拨弦方式既不是指头派，也不是指甲派，而是以指甲和指尖同时触弦后再拨弦的现代派(图②)。指肉触弦起到止音的作用，然后再用指甲拨弦。如果用在我国相当流行的《日本沟渊浩五郎教材》所说的"指肉先触弦，然后再滑向指甲，用指甲拨弦"。这必然产生指甲碰琴弦的杂音，也影响了拨弦速度和发音的敏感度。

为了使指尖、指甲能做到同时触弦，手指和琴弦的最含适角度不是90度，应是介乎45度一60度之间，手掌也不是和琴面平行，而是微微向左侧转(图⑩)。将琴按要求放置在左腿上，右手前臂的中部轻落在琴上侧板的上方，手腕放松，手掌自然下垂，拇指放在第6弦上，与弦有30度左右的夹角，这一点是非常重要的(图⑦)。i、m、a三指放在第①②③弦上，和弦构成45—60之间的角度，这是拨弦前的准备状态。

详细剖析拨弦的全过程是分为三个阶段：触弦、绷弦和放弦。

(1)触弦阶段：先应当为右手手指、手掌、手臂选择一个合适的角度和位置，以保证右手i、m、a三指能以指甲、指肉同时触弦。这个角度的位置也要使p指和弦保持一定的夹角。通常i、m、a三指都是用指甲的左侧稍滑向指甲顶部来拨动琴弦。触弦前的手指只是运动，触弦后方可正式发力拨弦，也就是说手指开始运动用力非常轻柔，接触弦之后才二次发力绷弦。特别是在弹奏慢速旋律时这种两次发力的感觉更明显。发力过早，会有击弦杂音，且影响第二阶段的绷弦动作。只会一次性发力是我国吉他手普遍的错误。正确的发力部位当用手指第三关节来发力(即手指的根部)(图⑩)。p指应当用第二关节发力而不是要用手腕来帮助压弦。p指的拨弦动作则是从指甲的顶部滑向左侧来拨动琴弦(图⑩)，p指可用指肚和指甲同时触弦拨弦，音色透亮。也可单单用指肚接触琴弦采拨弦，音色浑厚。

(2)绷弦阶段：绷弦只是一个瞬间动作，虽然只有零点几秒的时间，然而这是一个非常关键的动作。许多吉他手和吉他教师，从来就不知道弹吉他时还要有一个瞬时的绷弦动作，他们只是将弦弹响了事。我们祖先创造的汉字表达能力是极其细致而微妙的，一个"弹"字，一个"拨"字就可以区别出发力的迟早。"弹"是先发力后接触物体。"拨"是接触物体后再发力。用弹弦的方法很难连接上绷弦的动作，而用拨弦的方法则能很顺利将弦绷住。

(3)放弦阶段：放弦动作和弓箭手拉满弓之后放弦射箭的重要性是一样的，放弦的速度、爆发力直接影响到箭射的远近程度。吉他的音量和音色也取决于放弦的技巧。离弦(也就是放弦)的动作要干脆、果断，离弦的一刹那，手指的运动方向要和弦垂直(特别是拨弹④、⑤、⑥缠弦)，以避免指甲摩擦琴弦发出杂音。

古典吉他的基本拨弦方法分成两类：

①阿波阳多奏法(西班牙文APOYANDO的音译)：港、台版的吉他教材中大多将它译成"止弦奏法"、"平行弹法"、"停留弹法"等。解释也极为简单，仅仅提到"弹弦后手指要停止在次弦上"。我认为"阿波阳多奏法"翻译成"靠弦奏法"更为恰当。因为"阿波阳多奏法"有时是弹完弦轻轻触靠到下一根弦后又立即离开，在不同的需要下触靠下一根弦的力度和时间都是不同的(图⑩)。

②阿鲁爱勒奏法(西班牙文AL AIRE的音译)：99％的中文版吉他教材都将它译成"勾(钩)弦弹法"。这种译法和不全面的解释将许多的学习者和吉他教师引入歧途。由于大家对汉字勾(钩)的理解会不自觉做出勾(钩)指的错误动作，特别是有人译成"钩上弹法"更是误人子弟(图⑩)。“阿鲁爱勒奏法”译成“不靠弦奏法”应该更合适。目前国际上对阿鲁爱勒奏法也有人称之为"不靠弦的靠弦奏法"从这一点也可以说明：阿鲁爱勒奏法和阿波阳多奏法的拨弦动作实际上非常接近(图⑩a、b)。这两种奏法所发出的音色效果既能有区别，也可以做到近似。概括来说：靠弦与不靠弦都不是目的，而是一种拨弦动作的结果。

靠弦奏法的目的是：①使弹者(特别是初学者)容易找到拨弦正确的发力方向。②在大力度弹奏强音时免去担心碰响下一根弦(因反正已靠到下一根弦上，下一根弦也不会发出声音了)。③音色较浑厚。④大都在演奏旋律或强音时使用。

不靠弦奏法的目的是：①音色较轻亮透明，可以和靠弦奏法音色有区别。②使手指动作减少，以增加演奏的速度。③大都在演奏快速乐句、分解和弦、轮指时使用。无论是靠弦或不靠弦奏法，都可用手指的第三关节来作为发力点。也有人第三关节发力和第二关节发力两者兼用。

以上所述靠弦奏法和不靠弦奏法的音色效果和应用范围指在一般情况下，实际演奏起来可以干变万化。比如：靠弦奏法和不靠弦奏法同样都可以通过变换指甲拨弦角度，手指拨弦位置等来改变音色。靠弦也能奏出弱音和较快速的音符。不靠弦也能弹出有力的声音，这一切都需要长期的正确练习方能做到。

请大家欣赏一下《华丽练习曲》片段 王雅梦

第五讲 左手的基本技巧

弹奏古典吉他左手拇指一般不用，所以不记序号。左手食指、中指、无名指、小指的序号分别是1、2、3、4。左手拇指应按在指板背面中线上或者中线的下方。拇指要和左手中指所要按的把位相对(图⑩)，拇指越过中线或掌心紧贴琴颈都是错误的(图④)。左手手指自然放松对向指板(图②)。手腕和前臂要有一定的角度，这个角度将随手指在第①弦到第⑥弦之间的运动而变化。在全部演奏过程中，左手的手臂应自然下垂，这就是左手的准备状态(图⑩)。左手指按弦时手指一是要"立起来"，形成自然圆弧状来按弦。手指第一、第二关节不要向内弯曲成折指，折指是错误的。手指要和琴弦尽可能保持竖直的角度，用手指尖端的肉垫中央部分来按弦。二是手指按弦要"到位"。"到位"就是要求每一个手指在每一次按弦时都尽量靠近音品，而不要碰到音品。这时左手用最轻松的力度，可发出最透亮的音色。

大多数人左手最容易犯的错误就是手指按弦时不"到位"。不到位的错误情形有两种：

(1)手指按弦时离品格太远，这时弹出的声音发虚，而且有杂音。

(2)手指按在音品上或按过了音品，这时声音发闷，也有杂音。

吉他是可以演奏和声的乐器，可以用几千种指法按出各种不同的和弦。这些指法归为三种类型：

(1)纵向类型：每一个手指，各负责按一个品格。这时手指的伸扩程度最大。

(2)横向类型：各个手指都按在同一品格里。这时手指成靠拢状态。手腕和拇指向琴头方向转动，手腕和手臂间的角度加大。

(3)混合类型：除去上述两种类型之外都是混合型。无论是那一种类型，手指都要做到"立起来"和"到位"两个基本要求。变换手指类型时以左手手臂带动手腕的动作为主，手指的动作为辅。其他部份如：手掌、拇指等都是随着手臂、手腕、手指的动作而自然跟随着活动。手臂、手腕、手掌、拇指活动的大小、角度都应当服从手指的"立起"和"到位"的需要，在不影响发音的前提下，左手按弦的力量是越轻越好。

吉他指板大致可分为四个区域，以左手第1指(食指)所按的品格数作为把位的数序。

(1)原把位(即第一把位)。食指(1指)按第一格，以1、2、3、4指顺序4指可以按到第四格。

(2)上把位(即由第二把恢到第九把位)。以1指按第九格称作第九把位，4指可按到第12格。

(3)高把位(即由第十把位到第十二把位)。

(4)超高把位(即第十三把位以后的把位)。

左手在指板上的移动动作分为两类：

(1)横向移动：这是指左手指不变换把位，只是在①弦到⑥弦之间移动。横向移动以手臂带动手腕的活动为主，手指保持与弦竖直的方向起落。这时手臂和手腕间角度是有变化的，而左手拇指在指板后面没有纵向移动动作。

(2)纵向移动：又称做换把动作。在做纵向换把移动之前，先要充分理解"移指"和"跳指"这两种不同的概念。"移指"动作是在运指的过程中手指交替离弦，而不是同时离弦，也就是将要按弦的手指不越过按前一个音符的手指。"跳指"动作是指在移动运指的过程中，手指全部离弦，也就是将要按弦的手指越过按前一个音符的手指。换把位动作是弦乐器左手最重要的基本功之一，换把动作的优劣直接影响到演奏旋律的连贯性。

换把的原则是：

(1)能用移指动作完成的换把就不要用跳指动作。

(2)必须用跳指动作来完成的换把，也要在跳指前用移指动作来作为准备动作，预先向正在按音的手指靠近，进而超越正在按音的手指。

左手经常犯的错误之一就是在指板上移动运指时只有"跳指"的动作，而没有"移指"的动作。