可能一些世界级的吉他大师也甚少能够回答这个问题。许多吉他新手看到一些奇奇怪怪的图表或是原点和线，还是不相信这些是互相关联的。业余演奏手经常拒绝学习乐理，他们觉得乐理是没用的。

书上面写的或者网上的对乐理的解释已经过时了—甚至更糟的是，是由那些对乐理其实一无所知的人写的。由于现实和理论的脱节，学多新手将这些重要的只是全部丢弃，直到许多年后才意识到。

学习乐理不是可选择的，而是必须的任务。所有的音乐家都会有一个系统来理解音乐是怎样工作的，这些系统可以被标准化或是作为演奏者自己独有的非正式话的见解。一旦你开始与其他乐手一起演奏，或与世界上各种各样的音乐形式接触后，理解标准音乐理论就显得格外重要。学习这个系统其实更快， 因为它已经存在于这里了。就比如你没道理重新发明新的代数法一样。

下面我们要学习一些音乐术语。

音乐 是对声音有意识的安排。可以是让人愉快的声音，也可以是令人恐惧的声音等等。

音高 是声音相对的高度或低度。如果你弹 open A 弦，会发出低音，如果你弹拨第七品位上的弦，会发出比较高的音。音高也用来表示音准的程度，大多数音乐人同意这种说法，任一音符都代表了一个科学性的音高。吉他上第七品位的 “A” 应该产生440hz的振动，也就是每秒钟440次的循环。如果你现在弹奏A音，然后听一下标准的A音，如果你的音太高或太低，就说明你走音了。

节奏 是以时间为基础的音乐组合。有些节奏包含了音高 (例如吉他扫弦)，但其余的声音是很复杂的，而且不被认为是音高。想像两块木砖互相敲打，发出的声音或高或低，但大多数人并不把这当作音乐的音符。 演奏者跟着拍子弹出节奏，就叫节拍，用术语表达就是 beats per minute (BPM)。演奏者用 100BPM 的速度将会弹奏出这个节拍韵律的节奏。比如，他每两拍弹一次，或每一拍弹两次，后者就叫作节奏细分：一拍被等分为两份。

泛音 是多个音高同时发出声响。我们可以通过结合不同的音高，创造出不同感觉的声音。尝试着弹一个 C大调和弦，然后弹一个 小调和弦，这两个既相似又有不同的感觉。一个泛音中有约多的音高，它就越复杂。所有被同时弹奏的音高会带给泛音它独特的感觉。如果你弹 C音，然后我弹 E，另外一个人唱 G音，我们就会创造出 C大调和弦—泛音。

旋律 就是一系列的音高，通常比音乐中其他音高，它们随着时间释放，就像告诉你一个故事。在流行音乐中，旋律是歌手唱出来的一部分，而且泛音一定至少存在于另一种乐器中。旋律是使人们记住这首歌的最重要的因素，大多数人不能完完全全的记住某一个和弦是什么样的，但没有人会忘记旋律。

音色 是让音符听上去特别的特性。想像一下你听到一个吉他手用吉他弹了一个音符，然后他唱出同一个音。如果你被蒙住眼睛，你大概也能轻易地分辨出哪个是吉他发出来的声音。这是因为，不谈节奏和音高，每一种音乐都有它们自己的特点，因为乐器和乐手的音色都不同。

力度 是音乐的强和弱。在1791年，经典音乐编曲家Joseph Haydn 编写了交响曲 “Surprise Symphony.” 歌曲的开头听上去像低吟耳语，听者越凑越近，也还是难以听清。突然间，整个乐队突然弹了一个非常响的和弦，震惊了当时第一批享受这首交响乐的听众。这是早期乐坛上的好笑的事儿，Haydn当时可能边笑边走回家吧。然而当代音乐的音量的变化变少了，力度却依旧很重要。

尽量用你自己的词汇来定义下面的音乐术语：

• 4.1 右手手型与音色
• 4.2 右手手指的发力
• 4.3 卡尔卡西22条分解练习
• 4.4 练习的方法
• 4.5 分解演奏中右手手指的安排