山东泛美教育创始人-韩洪涛老师

【编者按】2018年2月4日和2月11日的两个周日下午的14:00-15:00，山东文艺广播电台《悦动全城》节目会分两期对山东泛美教育创始人韩洪涛老师进行访谈，聊聊他的古典吉他『创意人生』。韩老师是职业口译和英语教学的专家，由于机缘巧合，古典吉他艺术成为他毕生的爱好和追求。山东文艺广播电台的“悦动全城——创意人物”栏目，美女主播心晴将带您一道听听韩老师讲自己和古典吉他的神奇邂逅，现场演奏脍炙人口的名曲，带你进入古典吉他的神秘花园，在“爱的罗曼斯”、“阿尔罕布拉宫的回忆”当中体会“乐器王子”古典吉他细腻丰富的非凡魅力。

韩洪涛：泛美吉他，创意人生

山东文艺广播电台“悦动全城”节目2月4日访谈录音剪辑

在文艺台“悦动全城”创意人物节目录制之前，主播心晴女士就韩老师与古典吉他之间的缘分和一些背景知识做了书面的采访，提出了许多问题。韩老师就这些问题做了详尽的回答。以下便是此次书面采访的内容：

心晴（以下简称晴）：韩老师，听说您曾经是一个专业的同声翻译，但是现在却成了济南古典吉他推广的中坚力量，在积极地推动古典吉他教学与发展，您是怎么接触到古典吉他的？见到ta就一见倾心了吗？

韩洪涛（以下简称韩）：应该说是一个普通的口译工作者吧。因为从专业角度来说，同声传译只是口译职业的一种工作方式而已，各种工作方式的难度都有所不同，交替传译也有它很难的地方。我也同时做大量的笔译工作，笔译是口译的基本功课。

至于我和古典吉他的结缘，应该说是受家庭环境的影响吧。我的兄长当时先买了一把吉他，我一听很好听，就开始自学起来。后来又想办法搞到了一套《卡尔卡西古典吉他》的教材。那个时候的文化生活不像现在丰富，能弹吉他因该说已经非常少见的娱乐项目了，当然就爱的非常痴迷，成为一辈子的爱好。但是真正从事古典吉他的教学和推广还是最近四、五年的事。

晴：在一些诗歌当中，我们常会说拿起我的六弦琴，这就是指的吉他。民谣吉他和古典吉他虽然都是六弦琴，但是却有很大的不同，包括握琴的姿势都完全不同是吗？

韩：从外表来看，古典吉他和民谣吉他还是非常相似的。他们通常都会有六根弦，有指板、音箱、音孔和品格等等。在琴弦上古典吉他使用尼龙弦（之前是羊肠弦），而民谣吉他和指弹吉他使用钢丝弦。持琴姿势方面，古典吉他通常采取坐姿，而民谣吉他相对随性一些，可站可坐。古典吉他在基础阶段，对持琴有着严格的要求，这主要是因为作品独奏时，多个声部线条同时演绎，对技巧的要求十分细腻、高效，需要有最大限度的稳定持琴和身体放松，最重要的是完全解放双手，双手不负担任何拿琴的责任，专心用于演奏音乐。

古典吉他虽然外表与民谣吉他非常相似，但是从音乐风格、作品演绎和审美标准上来看，有着本质的区别。前年在泰安，为当今古典吉他当红的演奏家俄罗斯的罗孚山大师翻译大师课讲座时，有人问到过这个问题。他略微思考了一下，非常认真地说：他们看起来很像，但是古典吉他从音乐本质要求上来看，与钢琴更为相近。一、他们都属于和声独奏乐器。二、他们的曲目范围从几百年前的作品到当代作曲家的作品都会涵盖。需要对各个艺术时期的文化、音乐风格做出演奏，还原那个时代的风貌，最大限度地体现作曲家的意图。而民谣吉他主要是体现当下流行音乐的风格，体现这个时代的精神风貌和审美情趣。同时，主要担任为人声伴奏的功能，和弦转换和节奏把握等这些特点非常明显。

韩老师在泰安为俄罗斯古典吉他演奏家罗孚山翻译大师课

晴：弹古典吉他的人，有一把好琴特别重要，据说韩老师有一把日本制琴大师的琴是吗？

韩：我想任何弹吉他的人都梦想拥有一把称心如意的乐器，这和其它乐器，像小提琴、钢琴是一样的。好的吉他是有灵魂的，你在弹真正的顶级大师的制琴时，你可以感受到琴和你之间在的对话，是有感情交流的。目前来说，吉他制作可以分为工厂琴、作坊琴和手工琴这几类。通常，职业的演奏家或像我这样的超级发烧友会使用名家大师的专制手工琴。这类琴还具有收藏的价值。传统制琴的的国家像西班牙、德国、英国、法国等欧洲国家以及美国和日本都有世界上最好的制琴大师。日本的河野贤家族制琴是亚洲乃至世界最好的古典吉他制作家族，河野大师上个世纪90年代去世后，第二代的掌门人是河野先生的外甥樱井正毅先生，他在上个世纪80年代就已经获得巴黎制琴大赛的金奖了。日本人的工匠精神在全世界都是闻名的，在制琴上也是一丝不苟、严谨而又包容。我的这把樱井吉他是我在2015年访问日本现代吉他社期间，专门到河野家族的制琴坊向樱井大师订制的。

2015年，韩老师访问东京时与樱井大师合影留念

晴：古典吉他演奏的只是古典音乐吗？

韩：Classical这个词非常有意思，我个人认为它其实只是代表了一种审美精神，它和另外一个英文词classic的本质含义是不同的。这两个词的后缀不同，意思也不同。就像historic和historical的区别一样。Classical其实有两个概念，一是审美概念和文化标准；而是文艺风格的时代划分概念。许多人把古典吉他误认为只能演奏“古典的”或“经典的”或老古董的曲目，其实，它可以演奏各个时期的作品，包括非常现代风格的作品，包括许多我们都很难听懂的无调性作品。当代的许多大作曲家以及吉他演奏家都为吉他演奏贡献了非常具有现代气息的作品，你像维拉-罗伯斯、皮亚佐拉、日本的武满彻、布劳威尔以及去年刚刚去世的法国吉他大师罗兰·迪恩斯等等，他们都极大的丰富了现代吉他的演奏曲目，时期具有了鲜活的时代感。

富于创新的法国罗兰·迪恩斯大师（2016年离世）

晴：古典吉他给人感觉特别细腻，可以表达很丰富的情感，但是它对气势比较宏大的风格是不是驾驭起来就会有难度呢？吉他的优势和缺点又有哪些呢？

韩：每种乐器都会有自身的优势和特点。同样的音乐表现，在钢琴上做起来可能非常容易，但在吉他就有可能十分的困难。吉他的优势在于：音色的丰富而细腻变化、和弦具有独特的个性，琶音流畅而华丽。但同时它也有致命的弱点或困难，比如：音量问题，这跟吉他琴箱的结构有关系，它的声音的反射是多次混合而成，所以音色优美、丰富，但同时损失了音量。其次，弹拨乐器属于颗粒行发声，很难演奏legato（连音）。而且，它的多线条运行的情况下要保证每个线条的连接和消音是非常困难而高级的技术。另外，它的音域与钢琴比起来又没有那么宏大，所以，比较宏大的作品的演奏确实比起钢琴来对于演奏者的技术要求就困难的多。但是，各个时期的顶尖吉他家和作曲家也都曾为吉他创作过宏大风格的曲目，比如朱利亚尼的《大序曲》、索尔的《大独奏》和《莫扎特魔笛主题变奏》曲等非常宏大的作品，贝多芬正式在听了这些演奏家对这些作品的演奏之后，才赞叹吉他“真是个小的交响乐队啊”。

晴：您能否给大家介绍几位对于古典吉他起到重要作用的艺术家？比如说我所知道的泰雷加大师。

韩：泰雷加被称为“近代吉他之父”，这主要是因为在他这一代，制琴史上同时出现了一位开创性的“吉他制琴大师”—— 托雷斯。正是托雷斯将原来的吉他形状进行了革命性的改进，确立了我们现代吉他基本结构和外形。到目前为止我们所使用的古典吉他的结构和外形还基本上延用的托雷斯的基本理念。泰雷加是托雷斯吉他的忠实拥有者，而且他在使用现代吉他的基础上，丰富了古典吉他的大量演奏技巧，确立了吉他演奏的持琴和左右手技术的基础，为吉他创作了大量的作品，在吉他最为低潮的时代提高了吉他的地位。

其实在泰雷加之前，就出现过许多顶级的吉他演奏家、作曲家和教育家，比如：索尔、阿瓜多、朱利亚尼和卡鲁里、卡尔卡西等人。特别值得一提的是索尔，他本身就是古典乐派时期非常著名的大作曲家，他的歌剧和钢琴作品在当时就获得了很高的评价，而且还为当时就大受欢迎的芭蕾舞剧《灰姑娘》作曲。他的吉他作品，音乐性极高、视野广阔、质量上乘。

弗朗西斯科·泰雷加

20世纪出现了一个将吉他推向音乐会舞台的国际大师人物—— 西班牙的国宝级艺术家安德烈斯·塞戈维亚。是他完美的吉他音乐演绎和个人舞台魅力征服了全世界的古典音乐爱好者。

20世纪是古典吉他人才辈出的年代，早期的柳贝特、巴里奥斯，以及后来的布里姆、约翰威廉斯，大卫、罗素等等，他们的音乐活动推动了古典吉他发展。

柳贝特（中间弹琴者）与塞戈维亚（前排左二）

晴：关于古典吉他的历史，从文艺复兴前一直到当代，有ta既顺应历史潮流又有自己独特性的发展历程，我们从这几个地标阿拉伯，西班牙，巴西，南美之间特别的机缘和故事，是不是也可以看到ta的部分发展历史？

韩：是的。这些地方可以反映吉他的发展脉络。现代吉他的发展进程中，由西班牙的民间乐器经由众多吉他演奏家、大师的传播和推广，与世界各地的音乐做了很好的融合，尤其在南北美洲的一些国家和地区，形成了独有的音乐风格，拓展了吉他音乐的范围，成为吉他音乐不可分割的一部分。

晴：您个人有特别喜欢的几位吉他大师吗？为什么呢？

韩：塞戈维亚、布里姆、约翰威廉斯、大卫罗素这些大师我都喜欢。主要是因为两点：一、他们的音乐演奏的个性和多彩性。二、他们做事为人的人格魅力。

晴：能否谈谈您个人喜欢的几首作品？您本人去过西班牙吗？

韩：我特别喜欢索尔、泰雷嘉和巴里奥斯的作品。西班牙民谣《爱的罗曼斯》是我爱上古典吉他的第一首作品，也是古典吉他最为知名的作品，可以说是吉他的代名词了。不过很遗憾，我至今还没有到过西班牙。希望今年就会圆了我这个梦想的。

另外一首我喜欢的作品是泰雷加的《阿尔罕布拉宫的回忆》。阿尔罕布拉宫在西班牙南部的格拉纳达地区，这是个非常著名、独特的宫殿。阿尔罕布拉来源于阿拉伯语，红色宫殿的意思。这首曲子采用了吉他特有的颤音（轮指）弹法，意境深远，余韵无穷。

晴：很多吉他大师本来钢琴也有一定的造诣，而有些曲子也是从钢琴曲改编而来，泰雷加就可以称得上是一位作曲家，更准确的是改编大师对吗？

韩：泰雷加早年本身就学过钢琴，对钢琴演奏很有研究，素养很高。他创作和改编的古典吉他都有，也很丰富。他创作了很多在体现吉他独特魅力的曲子，很难在其它乐器上去表现。比如：《阿拉伯风格绮想曲》、《阿尔罕布拉宫的回忆》等，以及众多优美的吉他小品。同时，他也改编了许多钢琴、民间音乐或者歌剧作品到吉他上。如：阿尔贝尼兹的《西班牙组曲》以及《茶花女主题变奏》、《大霍塔舞曲》等等。

晴：您能否谈谈古典吉他在当今世界和中国的发展？

韩：全世界的吉他人才可以说是百花齐放、流派纷呈、高手辈出。近年来，中国古典吉他的顶尖人才也在世界上展露头角，在国际顶级大赛上频频获奖。陈志教授、叶登民教授等等一大批专业音乐、艺术院校的老师为我国的古典吉他专业教学、演奏和国际的接轨做出了不可磨灭的贡献。

2016年，陈志教授（右）与叶登民教授在香港吉他艺术节期间

晴：古典吉他的演奏对于演奏环境有什么特别的要求吗？

韩：古典吉他易于携带，在沙龙、聚会和专业音乐厅演奏均可。但对声场的要求较高，如果环境合适（像专业音乐厅），最好不使用扩音设备。如果需要扩音，最好使用专业的麦克和音箱在声音上做些增补即可。我到过很多地方组织过音乐会，很多主办方并不了解古典吉他的声响扩音特点，把麦克搞得很近，混响开的奇大，结果古典吉他的真正有魅力的声音和音色变化完全没有了。

除了对环境的要求外，对听众的素质要求还是蛮高的。因此，我们在很多音乐会中，会采取边讲解、便演奏的方式，在选取上也要考虑观众的欣赏习惯。

晴：在罗德里戈的音乐中，人们可以感受到他对音乐的灵感和从他身上体现出的深厚的西班牙音乐的沉淀。用音乐家自己的话说，就是“我在创作音乐时，常常感到一切美好的东西，也就是作曲的主题，都应该被乐曲所保留。”《阿兰胡埃斯奏曲》是改编自十七世纪作曲家桑斯(Gasoer Sanz)的舞曲，曲中洋溢著自由的音符让人觉得非常舒服，罗德里戈曾说过：“...关于时间流逝的一种感觉，在充满著绿树、鸟叫、虫鸣的阿兰胡埃斯花园之中”，只要是听过《阿兰胡埃斯协奏曲》的人，都能回想起那一种感伤，美好的感觉，随著黄昏沉落、随著时间消逝，心中涌起一种怅然，而贵绅幻想曲则呈现平静、优雅与欢乐的气氛。双目失明的他，作品中有一种特别生动鲜活的东西让人感动，是因为他想象中的世界比实际展现出来的更加美好吗？

韩：《阿兰胡埃斯协奏曲》无疑是古典吉他在全球最为知名的协奏曲了。对于它的创作背景有各种说法。一种传说是罗德里格斯和他的妻子维多利亚在西班牙阿兰胡埃斯度蜜月时给了他创作这部作品的主要灵感。另外一个流传是：协奏曲中的慢板乐章是一种痛苦的哭泣，描述了1939年春天维多利亚流产的经历。罗德里戈是作曲大家，他的作品同他个人的生长环境和个人经历肯定是有关系的。而且，你要相信，当上帝为某个人关上一扇窗的时候，他一定会为他打开一扇门的。

盲人作曲家- 罗德里戈

晴：学习古典吉他也要像钢琴那样注重童子功吗？

韩：是的。童子功对任何乐器都很重要。但我觉得启蒙教学中的让孩子们建立对于音乐和技巧的正确概念和审美能力更为重要。吉他或者钢琴、小提琴都只是表现音乐的工具而已，教音乐、提高艺术和美学的修养是我们学习音乐的根本目的。我想对于音乐的本质精神的理解和审美能力的提高才是真正的童子功，孩子的趣味、眼界和对精神生活的追求是从小就要培养的，而且也是让他们受益一辈子的真正的童子功，而不仅仅是技术的层面。

晴：韩老师最喜欢去哪些国家旅游，跟你喜欢的古典吉他有关吗？

韩：没去过的地方我的想去。没有什么界限，读万卷书，行万里路。

晴：每一个门类的艺术，最重要的都是基本功，而在基本功的基础上，你觉得，弹好古典吉他最重要的是什么？

韩：我认为有两个东西最难。一是，单音。音阶最难弹好，弹好音阶可以解决很多技术问题：右手音色、左右手的一致，独立性、颗粒感、放松与平衡，线条、动态变化、视奏能力都可以通过单音的训练来解决。而是，慢下来弹最难。你只要学会了慢下来弹，就可以解决很多错误的问题。

韩老师在指导学生练琴

晴：您觉得古典吉他带给了您什么？

韩：快乐和寄托。不至于让我日益变老的时候，无趣且无所事事的活着。

晴：我们的泛美学校为什么叫私塾？

晴：艺术教育在当下的社会面临很多诱惑和矛盾。我们的教育现在最大的问题在于总是会把每一个孩子向一个“模样”的方向去打造，唱歌的声音出来都是一个样子，毫无特点所言，弹琴的学生出来全都是技术派，音乐上毫无自己的东西，连弹琴时的肢体动作都要设计。英语演讲的发音、语调、连手势都是一个样子，我举一个真是的例子，有一年我去参加一个少儿英语口语大赛的评委工作，我们的孩子说出来的发音、语调、手势都是一个样子，毫无个性。所以，我把学校教泛美英语吉他私塾，是想传达我的教学理念，每个孩子都应该尤其个性和不同的风格，每个都是独立的个体，个性化教学是我们的追求，我们的教育不应该做成大规模的生产的产品，而应该像手工吉他一样，每一个孩子都有他独自的色彩、个性和思想。

（全文完）

韩老师与主播心晴节目录制完后合影留念

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